No resistia la tentacion de cambiar el template en el sitio en vivo XD. Espero todas las sugerencia y quejas lo mas pronto posible para empezar hacer los cambio y ya casi vuelev ruper con un neuvo look mas anime XD. vamos a estrenar logo XD.
Leiji Matsumoto, el creador de animes y mangas tan populares como Capitán Harlock y La princesa de los mil años entre varios otros creó un video de anime para la banda inglesa Queen que será el 24 de noviembre durante el 18 aniversario del fallecimiento del cantante de la banda, Freddie Mercury.
El video estará basado en la más reciente obra de Matsumoto, Out of Galaxy Koshika y la canción será la más popular del grupo Bohemian Rhapsody, una combinación impresionante en mi opinión.
Queen ha usado antes animación inglesa en sus videos pero ésta es la primera vez que usarán anime japonés y según el diario Nikkan Sports, ésta fue requerida por los mismos integrantes de la banda.
Matsumoto y Toe animation ya han trabajado antes con otra banda musical en la película del 2003 INTERSTELLA 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem.
Ya es la fecha donde todos comienzan a promocionar sus calendarios, sino es que ya lo hicieron, y la compañía de comida japonesa Lotteria tiene este año un calendario de escritorio de la segunda película del Rebuild of Evangelion, Evangelion 2.0: You can (not) Advance. Estos calendarios se venden en las tiendas de la cadena por 1000 yenes y vienen acompañados de un refresco gratis (como si fueran una hamburguesa). Gigazine tiene varias fotos de este calendario, aquí les dejo algunas.
Hoy desperte un poco melancolico, al darme cuenta que ya soy parte de una genereacion, que aun vive y no esta en el olvido. Falta mucho tiempo para que esta generacion pueda ser superada. Pasaran 100 años y aun seremos recordados como la Generacion X.
Para aquellos que pertenecemos a esta generacion sera muy grato ver esto videos de dos series muy famosas en nuestra epoca. GI JOE y Transformers, espero que lo disfruten tanto como yo.
Production I.G anima la nueva película de Shunsuke Tada basada en la light novel de Mizuki Nomura, Bungaku Shoujo.
La historia de Bungaku Shoujo trata de, Tōko Amano, la líder del club de literatura de una escuela que se hace llamar La chica Literal quien es en realidad un ser sobre natural que devora historias y que tiene como subordinado a un chico de segundo año llamado Konoha Inoue el cual escribe historias todos los días para que Amano se las coma.
Un día él escribe una novela bajo el seudónimo de Miu Inoue por lo que sus lectores creen que es una escritora de 14 años, la novela tiene mucha popularidad y hasta se planean adaptaciones a película y serie de televisión lo cual causa que Inoue se convierta, debido al estrés, en un ermitaño introvertido.
a todos los lectores y a la jefa, perdon pro el atraso. Pero aquil e sdejo un adelanto de lo que s e esta disenando XD. Bueno me base ya en u ntemplate existente y ya lo estoy ajustando. espero que les guste. espero su opiniones.
Mogo es un personaje de ficción del universo de DC Comics, un superhéroe y miembro de los Green Lantern Corps. Su primera aparición fue en Green Lantern (vol.2) N° 188 (mayo de 1985), en la historia llamada "Mogo no socializa". Fue creado por Alan Moore y Dave Gibbons.
Naturaleza
Mogo es un planeta "viviente" (para otro ejemplo, ver Ego el Planeta Viviente de Marvel Comics). Cuando lo desea, su afiliación a los Corps se muestra mediante su follaje que pasa a circular su cuerpo formando una banda verde con el símbolo común de los Corps. Mogo es el encargado de guiar a los anillo de poder verdes en búsqueda de su nuevo portador
Historia
Mogo no es un Linterna Verde demasiado sociable y su interacción con el resto del Universo DC no está demasiado bien documentada. Evita anunciar su presencia, prefiriendo presentarse mediante hologramas. Durante un incidente, envió hologramas para conseguir los delfines de Lobo. Cuando Lobo intentó recuperarlos, un holograma de Mogo lo convenció de no hacerlo. Lobo nunca descubrió que estaba tratando con un planeta. Al mismo tiempo, Mogo permitió que razas alienígenas vivieran en su superficie y se ha aceptado cambiar sus condiciones climáticas para el beneficio de aquellas. Estos habitantes no siempre saben que su hogar está vivo y vigilándolos.
Aunque la historia de Mogo (incluyendo su admisión en los Corps) jamás fue oficialmente revelada, algunos fans identifican a Mogo con el planeta viviente que Hal Jordan encontró en la historia "El extraño mundo llamado Linterna Verde".
Mogo también fue el hogar adoptivo de un grupo de xenoformes. Al parecer, años atrás Hal Jordan y un grupo de camaradas tuvieron que encargarse de estos xenomorfos luego de la muerte de un Linterna Verde; en lo posible, Jordan deseaba evitar matarlos por creer que eran tan solo animales y, por lo tanto, no eran malvados. Su solución fue depositarlos en Mogo, donde no serían una amenaza para nadie y podrían vivir. Sin embargo, y después de muchos años, Kyle Rayner viajó a Mogo para rescatar a la tripulación de una nave que se había estrellado. Aunque no habló con Mogo en forma directa, este fue el primer encuentro de Rayner con el planeta. Durante su siguiente encuentro con Mogo, no obstante, Rayner no parecer recordar estos hechos, por lo que se cuestiona si esta historia es canónica. (Es casi seguro que no lo sea ya que Salakk, quien murió en esta historia, apareció más tarde con vida.)
Recientemente, Mogo viajó al sector 1014 buscando la ayuda de Ch'p cuando perdió contacto con la batería de poder en Oa. Mogo desconocía el hecho de que la batería había sido destruida y que Ch'p había muerto. Como dependía de la energía esmeralda de la batería de poder para sustentarlo, Mogo perdió consciencia y flotó en el espacio hasta ser descubierto por unos alienígenas nómadas. Estos alienígenas procedieron a despojar a Mogo de sus recursos naturales y polucionar su medio ambiente. El cuerpo de Mogo reaccionó por instinto, creando construcciones para entorpecer los esfuerzos de los aliens por explotar sus recursos. Finalmente, Mogo fue rescatado por Kyle Rayner, quien usó su anillo de poder para despertar al gigante durmiente. Mogo ofreció a los alienígenas permanecer en él y cuidar de todas sus necesidades, pero los tercos seres optaron por abandonar sus campamentos. Mogo reveló luego a Rayner que se sentía aliviado de la partida de los alienígenas y que había planeado darles un clima espantoso como venganza por la polución.
Mogo apareció solicitando asistencia contra fuerzas rannianas y thanagarianas. Los Linternas Verdes Kyle Rayner, Guy Gardner (cómic), Stel y Green Man fueron enviados para despejar las flotas enemigas, y luego disfrutaron de un respiro sobre la superficie de Mogo. Gardner realizó comentarios metaficcionales sobre Mogo queriendo socializar, recordando la famosa historia de Alan Moore.
La Batalla de Mogo
Mogo jugó un papel importante durante la conclusión de la Crisis Infinita, en el plan de los Green Lantern Corps, Superman y Kal-L para detener a Superboy Prime. Los Supermanes Kal-El y Kal-L llevaron al enloquecido Superboy Prime hacia Rao (un sol rojo) en una jugada desesperada por quitarle sus poderes. Con sus poderes desvaneciéndose, los kryptonianos se precipitaron sobre Mogo antes de morir en el espacio. Los Supermanes consiguieron contener a Superboy, pero no antes que lograra herir en forma crítica a Kal-L. Después de la lucha, el resto de los Green Lantern Corps pusieron a Superboy Prime bajo custodia.
Futuro
En una profecía contada a Abin Sur, se dice que Mogo será el último Linterna Verde. Durante una batalla con el Imperio de las Lágrimas, Ranx la Ciudad Viviente hará explotar una bomba en el núcleo de Mogo, matando al planeta y acabando por siempre con los Green Lantern Corps. La veracidad de esta profecía ha sido cuestionada.
Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - † 26 de agosto de 1980) fue animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny El Conejo de la Suerte, Droopy, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.
El estilo de Avery rompió al molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: "en animación puedes hacer cualquier cosa," y sus trabajos hicieron eso muy a menudo. Biografía
Avery comenzó su carrera de animación en el estudio de Walter Lantz en los años 30, trabajando en Oswald the Lucky Rabbit. Mientras trabajaba en una oficina, un clip metálico voló hacia el ojo izquierdo de Avery quien perdió el uso de ese ojo. Algunos especulan que la carencia de percepción de profundidad fue lo que le dio su mirada única en la animación y su estilo tan extraño de dirigir.
"Terraza Termita" Avery se cambió al estudio de Leon Schlesinger a finales de 1935 y convenció a Schlesinger de que lo dejara dirigir su propia unidad de animadores y crear caricaturas a la manera que él quisiera. Schlesinger lo asignó a una unidad en la que incluyó animadores como Bob Clampett y Chuck Jones, a un bungalow de cinco habitaciones en la Warner Bros. La unidad de Avery fue asignada para trabajar sobre todo en los Looney Tunes en blanco y negro en vez de las Merrie Melodies en Technicolor y en seguida renombraron su oficina como "terraza termita", debido a su población significativa de termitas.
"Terraza termita" se convirtió más adelante en el apodo para el estudio entero de Schlesinger/Warners, sobre todo porque Avery y su unidad fueron quienes definieron lo que se conocería como "la caricatura Warner Bros.". Su primer corto, Golddiggers de '49, se reconoce como la primera caricatura en hacer del cerdo Porky una estrella, y la experimentación de Avery con el medio continuó desde allí. La creación de las estrellas de los Looney Tunes
Avery, con la ayuda de Clampett, de Jones, y del nuevo director asociado Frank Tashlin, puso los cimientos para la fundación de un estilo de animación que destronó al estudio de Walt Disney como el rey de películas cortas animadas, creando una legión de estrellas de caricaturas cuyos nombres todavía brillan en el mundo de hoy. Avery estuvo profundamente implicado: de carácter perfeccionista, Avery tramó constantemente chistes para las caricaturas, proporcionó su voz periódicamente para los personajes (incluyendo su risa de vientre, una marca registrada), y ejerció tal control sobre la realización de los cortos que él mismo quitaría fotogramas del negativo final si consideraba que el tiempo de algún chiste visual no era absolutamente correcto.
El Pato Lucas Porky's Duck Hunt introdujo al personaje del pato Lucas, con una nueva forma de locura que no había sido considerada antes en caricaturas animadas. El pato fue un chiflado totalmente fuera de control que con frecuencia se despedía a toda velocidad fuera del marco de la película gritando "¡Hoo-hoo! ¡hoo-hoo!" en una voz aguda, electrónicamente acelerada que proporcionó Mel Blanc, el artista de voces veterano de la Warner:). Bugs Bunny La película de Avery de 1940 A Wild Hare se considera la primera caricatura en establecer verdaderamente la personalidad del conejo Bugs, después de una serie de cortos de un conejo chiflado al modo del Pato Lucas dirigida por Ben Hardaway, con Cal Dalton y Chuck Jones. El Bugs de Avery era un conejo genial y moderno que tenía siempre el control de la situación y que enredaba astutamente a sus opositores. A Wild Hare también marca el primer dúo entre él y Elmer Fudd el calvo y manso, con cabeza de huevo y una gran nariz, y que fue modelado a partir del cómico de radio Joe Penner. Es en A Wild Hare que Bugs se encuentra casualmente con Elmer, quien está "hunting wabbits" (cazando conejos), a quien le pregunta tranquilamente, "¿what's up, doc.?" (¿qué hay de nuevo viejo?). Esta frase había sido muy recurrente en Avery en el secundario en su juventud y las audiencias reaccionaron positivamente frente a la actitud despreocupada de Bugs en una situación potencialmente peligrosa y "¿Qué hay de nuevo viejo?" se convirtió en la muletilla del conejo.
Avery dirigió solamente cuatro caricaturas del conejo Bugs: A Wild Hare, Tortoise Beats Hare, All This and Rabbit Stew, y The Heckling Hare. Durante este período, él también dirigió un número de cortos, incluyendo parodias de documentales (The Isle of Pingo Pongo), parodias de cuentos (The Bear's Tale), caricaturas con parodias de actores famosos (Hollywood Steps Out), y caricaturas con "clones" del conejo Bugs (The Crack-Pot Quail).
El trabajo de Avery en el estudio de Schlesinger terminó a finales de 1941, cuando él y el productor pelearon sobre el final de The Heckling Hare en el que no le permitieron incluir una frase final de Bugs ya que podía relacionarse con una expresión popular en la época que podía considerarse como un chiste sexual. Hablando de Animales
Mientras que en Schlesinger, Avery desarrolló el concepto de animar las bocas de animales filmados para que pareciera que hablablan. A Schlesinger no le interesó la idea de Avery, así que se la llevó a su amigo Jerry Fairbanks, quien producía la serie Unusual Occupations para la Paramount. Fairbanks tomó con gusto la idea y Speaking of Animals fue lanzado. Cuando Avery dejó la Warner, fue derecho a la Paramount a trabajar en los primeros tres cortos de la serie antes de cambiarse a la MGM. Avery en la MGM Hacia 1942, Avery se encontraba empleado en la Metro-Goldwyn-Mayer, trabajando en la división de caricaturas bajo la supervisión de Fred Quimby. Avery sentía que Schlesinger lo había sofocado; en la MGM, la creatividad de Avery alcanzó su pico. Sus caricaturas se sabían poseedoras de una locura escarpada, paso frenético, y una inclinación para jugar con el medio de la animación y el film en general que pocos otros directores se atrevieron a buscar. La MGM también le ofreció presupuestos más grandes y un nivel más alto de calidad que el que habían tenido sus películas en la Warner. Estos cambios fueron evidentes en su primer corto para la MGM, The Blitz Wolf, una parodia de Adolf Hitler que fue nominada a los Premios de la Academia como mejor corto de animación en 1942.
El personaje más famoso de la MGM de Avery debutó en Dumbhounded en 1943. El perro Droopy (originalmente "Happy Hound") era un perro calmado, pequeño, de movimientos lentos y lento-hablar que siempre ganaba hacia el final. También creó una serie de caricaturas arriesgadas, comenzando con Red Hot Riding Hood en 1943, con una atractiva estrella femenina que nunca tuvo un nombre definido, pero que influenció las mentes de muchachos jóvenes - y animadores futuros - por todo el mundo. Otros personajes de Avery en la MGM fueron la ardilla Screwball "Screwy" y el dúo de George y Junior inspirado en Of Mice and Men. Otras caricaturas notables de la MGM dirigidas por Avery incluyen Bad Luck Blackie, Magical Maestro, Lucky Ducky, Ventriloquist cat, y King-Size Canary. Avery comenzó en la MGM trabajando con colores y fondos realistas, pero abandonó lentamente este estilo para un acercamiento más frenético, menos realista. Su nueva mirada más estilizada reflejó la influencia del creciente estudio UPA: la necesidad de acotar presupuestos y el deseo propio de Avery de dejar la realidad atrás y de hacer caricaturas que no estuvieran atadas al mundo real. Durante este período, hizo una serie notable de películas que exploraron la tecnología del futuro: the House of Tomorrow, Car of Tomorrow, y TV of Tomorrow. También introdujo al personaje un lobo de habla lenta, que fue el prototipo para el personaje de Huckleberry Hound de los asociados de la MGM, Hanna-Barbera.
Avery se tomó un año sabático en 1950, y mientras tanto Dick Lundy, llegado recientemente del estudio de Walter Lantz, asumió el control de su unidad y trabajó en las caricaturas de Droopy. Avery volvió a la MGM en octubre de 1951 y comenzó a trabajar otra vez. Las últimas caricaturas originales de Avery para la MGM fueron Deputy Droopy y Cellbound, terminadas en 1953 y lanzadas en 1955. Como muchas de sus últimas caricaturas, fueron co-dirigidas por el animador Michael Lah de la unidad de Avery. Lah comenzó a dirigir un puñado de los cortos de Droopy en CinemaScope. Avery dejó la MGM en 1953 para regresar al estudio de Walter Lantz. Después de la MGM
La vuelta de Avery al estudio de Lantz no duró mucho. Dirigió cuatro caricaturas entre 1954-1955: Crazy Mixed-Up Pup y Shh-h-h-h-h, y I'm Cold y The Legend of Rockabye Point, en la cual definió al personaje del pingüino Chilly Willy. Aunque The Legend of Rockabye Point y Crazy Mixed-up Pup fueron nominadas para el premio de la Academia, Avery dejó a Lantz tras una discusión por el sueldo, poniendo fin a su carrera en la industria de la animación de entretenimiento.
Se dirigió hacia los anuncios publicitarios de televisión animados, los más notables, los comerciales de Raid de los años 60, ("Oh no! ¡Raid! ¡Boom!") y la creación de Frito-Bandito la controvertida mascota de Frito-Lays. Avery también produjo los anuncios para los zumos frutales con los personajes de la Warners Bros. que él había ayudado a crear durante sus días en la terraza termita.
Durante los años 60 y 70, Avery se volvió cada vez más reservado y depresivo, aunque continuó inspirando el respeto de sus pares. Su último empleo fue para la Hanna-Barbera, donde escribió chistes para caricaturas de la mañana del sábado tales como el Koala Kwicky estilo-droopy.
El martes 26 de agosto, del año 1980, Avery murió en el trabajo en los estudios de Hanna-Barbera a la edad 72. Había estado sufriendo de cáncer de pulmón por un año. Se encuentra enterrado en el parque memorial Forest Lawn en las colinas de Hollywood en Los Ángeles, California. Legado Aunque Tex Avery no vivió para experimentar el renacimiento de la animación de los tardíos 80s, su trabajo fue redescubierto y comenzó a recibir la atención y las alabanzas extensas de la comunidad moderna de la animación y de las películas. Su influencia se refleja fuertemente en caricaturas modernas tales como "Roger Rabbit", Ren y Stimpy, Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Freakazoid, los Simpsons, Tom y Jerry Kids Show o en el personaje del Genio en Aladdin de Disney. De hecho, el vaquero protagonista de The Wacky World of Tex Avery lleva su nombre y su trabajo se ha honrado en programas tales como The Tex Avery Show y Cartoon Alley. Sus personajes (particularmente Bugs Bunny y aquellos de Red Hot Riding Hood) aparecieron en la película de Jim Carrey La Máscara.
Hoy, es visto como uno de los directores más influyentes de todos los tiempos en la animación y como el artista principal de las películas cómicas, cuya marca en la industria, aunque no como artista, fue sobrepasada únicamente por Walt Disney.
Películas dirigidas o co-dirigidas por Tex Avery
Warner Bros.
Golddiggers of '49 (1936) The Blow Out (1936) Plane Dippy (1936) I'd Love to Take Orders from You (1936) Miss Glory (1936) I Love to Singa (1936) Porky the Rain Maker (1936) The Village Smithy (1936) Milk and Honey (1936) Don't Look Now (1936) Porky the Wrestler (1937) Picador Porky (1937) I Only Have Eyes for You (1937) Porky's Duck Hunt (1937) Uncle Tom's Bungalow (1937) Ain't We Got Fun (1937) Daffy Duck and Egghead (1937) Egghead Rides Again (1937) A Sunbonnet Blue (1937) Porky's Garden (1937) I Wanna Be a Sailor (1937) The Sneezing Weasel (1937) Little Red Walking Hood (1937) The Penguin Parade (1938) The Isle of Pingo Pongo (1938) A Feud There Was (1938) Johnny Smith and Poker-Huntas (1938) Daffy Duck in Hollywood (1938) Cinderella Meets Fella (1938) Hamateur Night (1938) The Mice Will Play (1938) A Day at the Zoo (1939) Thugs with Dirty Mugs (1939) Believe It or Else (1939) Dangerous Dan McFoo (1939) Detouring America (1939) Land of the Midnight Fun (1939) Fresh Fish (1939) Screwball Football (1939) The Early Worm Gets the Bird (1939) Cross Country Detours (1940) The Bear's Tale (1940) A Gander at Mother Goose (1940) Circus Today (1940) A Wild Hare (1940) Ceiling Hero (1940) Wacky Wild Life (1940) Of Fox and Hounds (1940) Holiday Highlights (1940) The Crackpot Quail (1941) Haunted Mouse (1941) Tortoise Beats Hare (1941) Hollywood Steps Out (1941) Porky's Preview (1941) The Heckling Hare (1941) Aviation Vacation (1941) All This and Rabbit Stew (1941) The Bug Parade (1941) The Cagey Canary (1941) Aloha Hooey (1942) Crazy Cruise (1942)
Paramount
Speaking of Animals Down on the Farm (1941) Speaking of Animals Down in a Pet Shop (1941) Speaking of Animals Down in the Zoo (1941)
MGM Blitz Wolf (1942) ¡The Early Bird Dood It! (1942) Dumb-Hounded (1943) Red Hot Riding Hood (1943) ¿Who Killed Who? (1943) One Ham's Family (1943) ¿What's Buzzin' Buzzard? (1943) Screwball Squirrel (1944) Batty Baseball (1944) Happy-Go-Nutty (1944) Big Heel-Watha (1944) The Screwy Truant (1945) The Shooting of Dan McGoo (1945) Jerky Turkey (1945) Swing Shift Cinderella (1945) Wild and Woolfy (1945) Lonesome Lenny (1946) The Hick Chick (1946) Northwest Hounded Police (1946) Henpecked Hoboes (1946) Hound Hunters (1947) Red Hot Rangers (1947) Uncle Tom's Cabana (1947) Slap Happy Lion (1947) King-Size Canary (1947) What Price Fleadom (1948) Little 'Tinker (1948) Half-Pint Pygmy (1948) Lucky Ducky (1948) The Cat that Hated People (1948) Bad Luck Blackie (1949) Señor Droopy (1949) The House of Tomorrow (1949) Doggone Tired (1949) Wags to Riches (1949) Little Rural Riding Hood (1949) Out-Foxed (1949) The Counterfeit Cat (1949) Ventriloquist Cat (1950) The Cuckoo Clock (1950) Garden Gopher (1950) The Chump Champ (1950) The Peachy Cobbler (1950) Cock-a-Doodle Dog (1951) Daredevil Droopy (1951) Droopy's Good Deed (1951) Symphony in Slang (1951) Car of Tomorrow (1951) Droopy's Double Trouble (1951) Magical Maestro (1952) One Cab's Family (1952) Rock-a-Bye Bear (1952) Little Johnny Jet (1953) T.V. of Tomorrow (1953) The Three Little Pups (1953) Drag-a-Long Droopy (1954) Billy Boy (1954) Homesteader Droopy (1954) The Farm of Tomorrow (1954) The Flea Circus (1954) Dixieland Droopy (1954) Field and Scream (1955) The First Bad Man (1955) Deputy Droopy (1955) Cellbound (1955) Millionaire Droopy (1956) Cat's Meow (1957)
Walter Lantz
Sh-h-h-h-h-h (1955) The Legend of Rockabye Point (1955) I'm Cold (1954) Crazy Mixed Up Pup (1954)
TITULO ORIGINAL: Goemon AÑO: 2009 DURACIÓN: 128 min. PAÍS: Japón DIRECTOR: Kazuaki Kiriya GUIÓN: Kazuaki Kiriya, Tetsurô Takita MÚSICA: Akihiko Matsumoto FOTOGRAFÍA: Kazuaki Kiriya PRODUCTORA: Goemon Partners WEB OFICIAL: http://www.goemonmovie.com REPARTO: Yôsuke Eguchi ... Goemon Ishikawa Takao Ôsawa ... Saizo Kirigakure Ryoko Hirosue ... Chacha Asai Jun Kaname ... Mitsunari Ishida Gori ... Sasuke Sarutobi Mikijiro Hira ... Rikyu Sen Masatô Ibu ... Ieyasu Tokugawa Tetsuji Tamayama ... Matahachi Hashinosuké Nakamura ... Nobunaga Oda Eiji Okuda ... Hideyoshi Toyotomi Choi Hong Man ... Gao Susumu Terajima ... Hanzo Hattori
Muchos al ver el titulo de Goemon, pensaran en el juego de konami, pero no en la leyenda de goemon, hay muy poco informacion respecto a este ninja. Se hizo famoso por que roba a los ricos y se lo daba a los pobres y por la forma en la que salvo a su hijo.
Partiendo de esta leyenda el directo y tambien escrito Kazuaki Kiriya, nos muestra una historia que al inicio se siente un poco floja y comica. Pero cuando va avanzando la pelicula, nos va amarrando mas y mas al trama, que sufre giros constantes y las va enredando mas y mas. Hasta culminar en un final epico y digno de un gran Guerro.
Cabe resaltar que al igual que en Casshern los fondos son en CG, dando un estilo que nos recuerda a tekken, o final fantasy 8. Las peleas esta muy bien logradas, y la accion es constante.
Para los amantes del buen cine de accion le recomeindo 100% etsa pelicula, su forma de narrar la Historia, los efectos visual, el contenido Historico ylas leyendas. Deja un buen sabor de voca sin decir que el ost esta 100, uan muy buena pelicula.
El álbum de la cantante solista, Ayaka de lo mejor de sus éxitos con el nombre Ayaka’s History 2006-2009, ha pasado esta semana la cantidad de 1 millón de copias a la venta, convirtiéndose en el álbum solista más vendido del año con un mes y medio desde que se estrenó.
Ayaka’s History 2006-2009 salió a la venta el 23 de septiembre y solamente en su primera semana logró la grandiosa cantidad de 350,000 copias vendidas, siendo la mejor primera semana para una artista femenina en el año. Logró colocarse en el primer lugar del ranking semanal del Oricon (un ranking muy importante en Japón que cuenta ventas solo en tiendas oficiales de ese país) por dos semanas consecutivas (durante la primera semana estuvo en primer lugar cada uno de los días en el ranking diario) y aun esta semana pasada quedó en cuarto lugar (en Japón los discos venden casi solo la primera semana y sus ventas suelen bajar enormemente después de los primeros días).
En lo que va del año, Ayaka’s History 2006-2009 es el único álbum de un solista que rompe la marca de un millón de copias. Éste es el primer álbum “Best” de la artista y viene en 3 versiones, una regular con solo un CD, y dos ediciones limitadas, una con 2 CD’s y un DVD y otra con 2CD’s y un photobook.
Éste es el contenido de los CD’s y el DVD: ayaka’s History 2006-2009 – Lista de canciones del CD1
1. I believe 2. melody 3. Real voice 4. Mikazuki (三日月; Crescent Moon) 5. WINDING ROAD (ayaka x Kobukuro) 6. Jewelry day 7. CLAP & LOVE 8. Why 9. For today 10. Te wo Tsunagou (手をつなごう; Let’s Hold Hands) 11. Ai wo Utaou (愛を歌おう; Let’s Sing Love) 12. Okaeri (おかえり; Welcome Home) 13. Anata to (あなたと; With You) (ayaka x Kobukuro) 14. Yume wo Mikata ni (夢を味方に) 15. Koi Kogarete Mita Yume (恋焦がれて見た夢) 16. Minna Sora no Shita (みんな空の下; Under Our Sky)
ayaka’s History 2006-2009 – Lista de canciones del CD2
1. Yume no Kakera (夢のカケラ; Pieces of Dreams) 2. Blue Days (ブルーデイズ) 3. Sky 4. Peace loving people 5. POWER OF MUSIC 6. Kon’ya mo Hoshi ni Dakarete… (今夜も星に抱かれて…; Wrapped in the Stars Tonight) 7. Good Night Baby (グンナイベイビー) 8. Start to 0 9. Kimi ga Iru Kara (君がいるから; Because I Have You) 10. Arigatou. (ありがとう。; Thank You) 11. Minna Sora no Shita (みんな空の下) (Bonus Track)
ayaka’s History 2006-2009 – Lista de videos del DVD
* ALL SINGLE MUSIC VIDEO
1. I believe 2. melody 3. Real voice 4. Mikazuki (三日月) 5. Jewelry day 6. WINDING ROAD (ayaka x Kobukuro) 7. CLAP & LOVE 8. Why 9. For today 10. Te wo Tsunagou (手をつなごう) 11. Okaeri (おかえり) 12. Anata to (あなたと) (ayaka x Kobukuro) 13. Yume wo Mikata ni (夢を味方に) 14. Minna Sora no Shita (みんな空の下)
La compañía Kyowa usa unos extraños comerciales para vender sus randoseru, que son esas mochilas rígidas hechas de cuero y usadas por niños de primaria. Y es que de verdad necesitan buenos comerciales si es que quieren vender estas cosas que según JapanProbe cuestan unos 32,400 yenes cada una lo que son unos 360 dólares.
recuerda la aniamcion de mickey mouse en 1935 con la overture de Guillermo tell. Aqui se los deje para que disfrute, a mickey y al bendito pato donald que toda una vida asi chichoso.
La continuación de los OVA's de Tales of Symphonia con el nombre Tales of Symphonia The Animation: Tethe’alla Hen fue anunciada en el evento Tales of Festival 2008 y en la página web oficial ya podemos ver las primeras imágenes de este anime. El estreno será en la primavera del 2010.
Esta nueva parte del anime tendrá como tema la canción de Mizuki Nana, Tenkuu no Canaria que viene en su single Mugen, lanzado el 28 de octubre pasado.
“Ninja Assassin” es una nueva película que narra básicamente las aventuras de el mejor guerrero del clan Ozunu, criado en este círculo por circunstacias ajenas a él. Pero obviamente no vamos a hablar de cine en Punto Geek, sino que vengo a mostrarles el trailer recreado de forma curiosa.
Alguien tuvo la genial idea de subir a YouTube inspirado en el trailer oficial de Ninja Assassin, este video pero recreado con bloques Lego. Algo que sin dudas le llevó mucho trabajo y creatividad lograr, con un resultado divertido y extraño. Yo me quedé con ganas de ver otros trailers en este estilo, ¿Conocen alguno?
La foto de arriba muestra una primera mirada a lo que será la película basada en la popular franquicia de video juegos de pelea Tekken. Ésta será producida por Crystal Sky Pictures y fue anunciada desde el 2007. El director será Dwight Little, quien ha trabajado en Anacondas y Murder at 1600. El script estará escrito por Alan McElroy de Spawn y The Marine.
Los actores en la película son: Luke Goss, Cary-Hiroyuki Tagawa, Tamlyn Tomita, Gary Daniels, Chiaki Kuriyama, Cung Le, Jon Foo, Kelly Overton, Ian Anthony Dale, Lateef Crowder, Darrin Dewitt Henson, John Pyper-Ferguson, Mircea Monroe, Gary Ray Stearns, Candice Hillebrand y David Pitt.
La película se tratará de un rebelde que se enfrenta a la corporación Tekken para conseguir la libertad de su gente.
¿Falta alguna otra buena franquicia de video juegos en ser adaptada al cine americano?
Al igual que la pepsi, con sus sabores de temporada, la Coca-Cola aprovecha el nivel de consumismo de Japón para vender productos alternativos, aunque apostando más por la preocupación de la salud y esas cosas. La imagen de arriba es de la nueva coca cola plus fiber (Coca-cola Más Fibra) que salió a la venta el 26 de octubre y que en realidad es una coca dietética con contenido extra de fibra soluble, y con sabor a limón.
Abajo, más imágenes de la Coca Cola Plus Fiber y de la Coca Cola Plus Catechin.
Se ha anunciado la adaptación al Live Action del manga de comedia sin sentido Konchū Tantei Yoshida Yoshimi (El detective de Insectos Yoshida Yoshimi) sobre un detective con la habilidad de comunicarse con prácticamente cualquier criatura, y el cual junto a sus mascotas, un perro con la inteligencia de un niño de tercer grado y un loro mal hablado toman casos referentes a insectos y otras criaturas.
El live action será una película y se estrenará en alguna fecha del próximo año. Sakichi Sato (Ichi the Killer, Tokyo Zombie) dirigirá esta adaptación y el protagonista será interpretado por Shō Aikawa.
En eBay se pueden encontrar cosas curiosas para comprar, o simplemente mirar. Cada tanto salen réplicas de diferentes objetos que se venden por fortunas y son adquiridas por gran cantidad de fanáticos ya sea de libros, películas o alguna banda musical.
Hace poco comenzó una subasta por una nueva réplica del Delorean de Back to the Future, realmente increíble. El dueño seguramente invirtió mucho de su tiempo construyéndola y el resultado es genial para todos los amantes de la saga.
El coche fue construído por dos años, entre 2006 y 2008 y se suma así a una larga lista de gente que adapta su Delorean al auto de las películas. ¿El precio? 129.000 dólares, casi nada.
¿Qué significa BRB? ¿Qué significa WTF? ¿Qué significa NSFW? ¿Que significa…? Y así podríamos estar un buen rato si empezamos a leer foros, buscar información en blogs y leer noticias en Internet en inglés, e incluso en español, sí, porque nosotros somos así, nos encanta tirar de anglicismos, aunque no sepamos lo que significa y claro, cuando alguien que no está acostumbrado a lidiar con términos en inglés y encima se los encuentra abreviados, en forma de acrónimos o incluso transcritos fonéticamente, el resultado está claro… Google o la desinformación.
Si, muchos de nosotros hemos tenido que recurrir a buscar el significado de esos acrónimos porque no teníamos ni idea de lo que quieren decir, es por eso que hoy me he decidido a hacer un pequeño listado de algunos de los acrónimos más frecuentes cuando navegamos por la red o conversamos por el chat con nuestros contactos angloparlantes.
Los más frecuentes:
WWW: Sin duda, la más usada, por si no has caído nunca en pensar lo que significa, es World Wide Web.
LOL: Del inglés Laughing Out Loud, que viene a significar “me parto de risa”, de ahí que la mayoría de las veces, este acrónimo se convierta cómo por arte de mágia en un emoticono riéndose a carcajadas.
XD: es parecido a LOL, es la representación gráfica en letras de una carita riéndose, es decir, para expresar una carcajada, risa o felicidad.
BRB: Del inglés Be Right Back. Significa vuelvo enseguida, es muy frecuente cuando estamos chateando, de hecho es un estado del Messenger en inglés.
NSFW: Del inglés Not Suitable For Work o Not Safe For Work. Si ves esta advertencia en una noticia y estás navegando en el trabajo, estás avisado, no es apto para el trabajo. Normalmente porque la noticia conttiene imágenes o vídeo de contenido erótico o pornográfico.
TTYL: Del inglés Talk To You Later, hablamos luego, muy parecido al BRB qué veíamos antes.
EOD: Del inglés End Of Discussion. Lo solemos encontrar en los foros cuando alguién quiere dar por zanjada una cuestión. Significa punto y final, fin de la discusión.
OMG: Una expresión que aprece en multitud de ocasiones, Oh My God!, al igual que en español: ¡Oh Dios mío!
ROFL: Del inglés Rolling On Floor Laughing (también podemos encontrar ROTFL, Rolling On The Floor Laughing) esto es incluso más que el LOL, aquí te tiras por el suelo de risa.
IOW: In Other Words, en otras palabras.
MMORPG: A los jugones seguro que os suena este que viene de Massive Multiplayer Onnline Role Playing Game, vaya, un juego masivo multijugador online de rol. ¿Un ejemplo?, el WOW, perdón, World Of Warcraft.
RPG: este es sólo Role Playing Game, igual que el de antes pero sin versioón online multijugador.
FPS: Seguimos en el terreno jugón, en este caso nos lanzamos al terreno de Quake o Doom, un First Person Shooter, o un Shooter en primera persona. Sí, has acertado, un shooter es un juego de acción, esencialmente de tiros.
TPS o 3PS: Ahora nos pasamos a la acción en 3ª persona, más al estilo Gears of Wars, God of War o Devil May Cry. Significa Third Person Shooter.
WTF: Viene del inglés What The Fuck, que significa algo así cómo ¡Caramba!, bueno, es más un ¡Joder! ó ¡Coño ¿esto que es?! ups, ese vocabulario no debería emplearlo aquí.
Pero el listado no se queda aquí incluso existen jergas usadas por los adolescentes cuando los padres aparecen en la habitación. Veamos unas cuantas de esas, bastante importantes a saber si hay chavales en casa y queremos saber de que va la cosa en sus conversaciones:
PIR: Parent In Room:, con esto avisan de que hay “padres en la habitación”
POTS o POS: Parent Over (The) Shoulder, con esta el padre no sólo está en la habitación, sino que está “por encima del hombro, vaya, echándole un vistazo a lo que hace.
PRW: En la misma línea, Parents Are Watching, con Padres mirando.
Pero eso es cuando ven que alguien les acecha, si están sólos, pueden usar un lenguaje que va un poco más allá del estilo GNOC: Get Naked on Cam (Desnúdate en la Cam), WTGP Want To Go Private (Quiero abrir un privado) o MIRL: Meet In Real Life (conózcamonos en la vida real).
Y es que las abreviaturas nos rodean por todos lados, todo empezó con los SMS y ahora con los estados de Facebook o los 140 caracteres de Twitter se potencia un poco más para condensar el máximo de información en el mínimo espacio posible.
Los títulos de los juegos merecerían un capítulo aparte, ya que para buscar información sobre algunos juegos es casi esencial saber su denominación en siglas, porque Call Of Duty es COD, World of Warcraft es WOW, Pro Evolution Soccer es, de siempre, PES o Pro, God of War es GOW y así un largo etcétera que merece un post en solitario. Fuente: up-down
El dia de mañana se celebra el tercer festival beatle en el pais. Muestro enviado especial Drakon, el dia de mañana ira a darse uan vuelta y no contara como estuvo. Entre las actividades vamos encontrar charlas, presentacion de rockband the beatles, proyecciones y el concierto con el grupo revolution.
Para muchos esta noticia le tomo pro sorpresa despues de ver al gundam gigante ahora en Kobe tenemos un Tetsujin de 18 metros. Aqui les dejo los videos de inaguracion y de transceuntes de la estatua. Se revelo en el mes de octubre.
Xenia Simonoff es una artista que forma parte del movimiento de vanguardia denominado “Animación con Arena”, una nueva técnica que consiste en la creacion de escenas con este material en tiempo real, dibujando personajes y ambientes con una temática y acompañando la presentación con una música acorde a la historia que se cuenta.
La sensación de dinamismo se logra al depositar la arena sobre una pantalla horizontal iluminada con luz blanca, sobre la cual ella “dibuja” con arena mientras mueve su cuerpo y sus manos al ritmo de la obra logrando así escenas conmovedoras.
Con solo 24 años Xenia Simonoff se convirtio en la última ganadora del ‘Ukraine’s Got Talent’ 2009. En la final, pintó en directo una animación de la invasión alemana de Ucrania durante la Segunda Guerra Mundial, usando sus dedos y una superficie con arena cautivando a los jueces y al público hasta las lágrimas. verdaderamente una demostración de arte inigualable.
A por cierto doble puntaje a Xenia por se una buen artista y ucrania las adoro.
Años antes de que Walt Disney comenzará a armar su imperio, un artista de la animación y destacado inventor, sentaría las bases del futuro de la animación.
Max Fleischer nació el 19 de julio de 1883 en la ciudad de Viena, Austria. Con sólo cuatro años, Max emigró a los Estados Unidos junto a su familia, estableciéndose definitivamente en la ciudad de New York.
Su interés por el arte, lo llevó a estudiar en la Cooper Union y en la Art Students League. Pero a la vez que desarrollaba sus capacidades artísticas, el joven Max se interesaba por el mundo de las maquinarias. Tal vez de esa combinación (creación-máquina), surgiría su primer trabajo como dibujante y fotógrafo para el Brooklyn Daily Eagle.
En 1915, mientras trabajaba como editor para el Popular Science Monthly, comenzó a desarrollar un invento que le permitiría “dibujar” sobre un trozo de film con personajes reales, utilizando a éstos como referencia: el rotoscopiado, como lo bautizaron sus creadores (sistema que aún hoy es utilizado en el cine de animación).
Max y su hermano Dave se encargaron de construir el aparato (que patentaron en 1917) y realizaron su primer trabajo, Experiment N° 1 (1915) en el que el otro hermano Fleischer, Dave, se disfrazó de payaso, creando el personaje que posteriormente se transformaría en Koko the Clown. Este personaje, no sólo fue el primer ser animado en ser rotoscopiado, sino que también fue el primero en “mezclarse” con el mundo real, al salir - al comienzo de cada uno de los cortos – de un tintero.
En el año 1919 los hermanos Fleischer comenzaron a trabajar para John R. Bray (quien los contrató luego de ver Experiment N° 1). Bray era pionero en el negocio del cine de animación (Paul Terry y Walter Lantz trabajaron para él), y tiempo después firmaría un contrato por el cual debía proveer de cortos animados a la Paramount Pictures. Los Fleischer debían realizar un corto por mes, pero poco tiempo después, su serie Out of the Inkwell – protagonizada por Koko the Clown – se transformó en la más destacada del Paramount Pictograph de Bray.
Debido a la repercusión de sus trabajos, en 1921 los hermanos Max y Dave Fleischer deciden formar una compañía para producir sus propios cortos de animación. Así nació la Out of the Inkwell Films Inc., con Max como productor y Dave como director. Tiempo después se sumarían Edwin Miles Fadiman y Hugo Riesenfeld, formando la Red Seal Pictures. A pesar de que la nueva sociedad terminaría en la quiebra, durante ese período (1924-1926), Max Fleischer siguió desarrollando su veta de inventor. Por un lado, produjo los primeros dibujos animados sonoros utilizando el proceso DeForest Phonofilm (otro de los inventos de Fleischer fue la bola saltarina que permite a la audiencia seguir la letra y el ritmo de una canción); y por el otro, inventó el Rotograph sistema que le permitía combinar escenas reales con escenas animadas.
Fleischer Studios fue fundado por los Max y Dave en el año 1929 para producir cortos animados para Paramount Pictures. Durante esta etapa, los Fleischer crearían los personajes más destacados de su extensa obra. El 9 de agosto de 1930, en el corto Dizzy Dishes (de la serie Talkartoons, dibujos sonoros posteriores al Steamboat Willie de la Disney) aparecerá un personaje femenino - con orejas de perro, basado en la actriz Helen Kane y sin nombre ya que era simplemente la novia de Bimbo the Dog – cantando en un cabaret y diciendo una frase que el tiempo se encargaría de inmortalizar: “Boop-opp-a-doop”.
Al año siguiente, este personaje dejaría sus orejas de perro para transformarse en la sensual Betty Boop (creación de Myron “Grim” Natwick) en el corto Mask-A-Raid. El desenfreno de su sex-appeal transformó a la Boop en un personaje altamente popular y a su novio Bimbo the Dog en su mascota.
La llegada de la censura a Hollywood, de la mano de Will H. Hays, produjo que Betty Boop sufriera serias transformaciones: sus vestidos se volvieron más largos y sus curvas ya no eran tan pronunciadas. La Boop pasó a ser una buena chica y hasta en algunas ocasiones, una obediente ama de casa. Este cambio, que le quitó toda la gracia al personaje, originó que Max Fleischer hiciera un último trabajo con Betty Boop en el año 1939, Rhythm on the Reservation.
Otro de los éxitos del estudio de los hermanos Fleischer, llegaría de la mano de Popeye el Marino, del King Features Syndicate y creado por Elzie Segar. Popeye ya había demostrado su popularidad en las tiras cómicas de los periódicos, pero la repercusión alcanzada por los cortos animados, le permitió a la Paramount competir directamente con la poderosa Disney (llegando a opacar al propio Mickey).
La primera aparición animada de Popeye el Marino se produjo en Betty Boop Meets Popeye the Sailor del año 1933. Posteriormente, el personaje introduce un nuevo modelo narrativo en el cine animado (copiado por Bugs Bunny, Tom & Jerry y El Correcaminos, entre otros): el enfrentamiento entre el héroe (Popeye) y el villano (Bruto) por el amor de una mujer (Olivia), desencadenando una serie de peleas cada vez más violentas, en las que el héroe triunfa sobre el final (luego de comer su clásica lata de espinacas).
Antes de filmar un largometraje, los Fleischer realizaron un par de films animados de dos rollos: Popeye the Sailor Meets Sinbad the Sailor en el año 1936, y al año siguiente, Popeye Meets Ali Baba and His 40 Thieves.
Después del estreno de Blancanieves y los Siete Enanitos de la Disney, el estudio Fleischer fue el único que se animó a incursionar en ese terreno al realizar en el año 1939 el largometraje Gulliver´s Travels. Si bien el film recaudó en los Estados Unidos casi tanto dinero como el Pinocho de la Disney, al no poder contar con el mercado europeo a causa de la Segunda Guerra Mundial, el film no logró recuperar en taquilla su alto costo.
Durante esta etapa, Max Fleischer siguió desarrollando su faceta de inventor al crear el Three-Dimensional Setback, un primitivo sistema de animación en tres dimensiones. Este concepto será adoptado por la Disney para la creación de su cámara de multiplanos.
El último gran logro que lograría la sociedad Fleischer-Paramount, se produjo al “animar” uno de los personajes de ficción más populares de la historia del siglo XX: Superman (creado por Jerry Siegel y Joe Shuster). Además dotaron a la serie de algunas de sus frases más características como “más rápido que una bala” y “miren al cielo… es un pájaro… es un avión… es Superman!”. Los maestros orientales del cine de animación Osamu Tezuka (creador de Astroboy) y Hayao Miyazaki (director de la recientemente estrenada El Viaje de Chihiro), han confesado su admiración y la influencia sobre sus obras de la versión de Superman del estudio de los hermanos Fleischer.
En 1941, la Paramount les propuso a los hermanos Fleischer la realización de un largometraje animado basado en el film Mr. Deeds Goes to Town. A pesar de la resistencia del estudio, realizaron Mr. Bug Goes to Town (posteriormente re-estrenado como Hoppity Goes to Town). Cuando el film iba a ser estrenado en los Estados Unidos, se produjo el ataque a Pearl Harbor, lo que provocó que el film sea presentado posteriormente con el país en plena guerra (sumado al hecho de que casi no contó con publicidad), produciendo una escasa repercusión en la audiencia.
Luego del fracaso comercial de los largometrajes realizados por los hermanos Fleischer, originó que la Paramount se quedara con el estudio. Despidió a Max y a Joe y cambió el nombre del estudio por el de Famous Studios (1942-1967), donde se crearon personajes como Casper the Friendly Ghost, Baby Huey, Little Audrey y Herman & Katnip. A pesar de que el estudio perdió la innovación, la vivacidad, la audacia y el desparpajo de las creaciones de los Fleischer, sus personajes fueron altamente rentables (único interés de los ejecutivos del estudio).
En 1942 los hermanos se separaron. Dave se fue a Hollywood a dirigir la unidad de animación de la Columbia, Screen Gems y realizó en el mismo estudio algunos trabajos como script doctor. Max se fue a Detroit donde trabajó con Jam Handy (ex socio de Bray), realizando films industriales y llego a trabajar en la primera versión de Rudolph, the Red-Nosed Reindeer en el año 1948. Su último trabajo lo realizó para Bray Studios (con quien había comenzado a trabajar). Max Fleischer murió el 11 de septiembre de 1972 en la ciudad de Woodland Hills, California.
Algunos de los trabajos de Fleischer recibieron nominaciones para los premios Oscar – Simbad el Marino (1936), Educated Fish (1937), Hunky & Spunky (1938), Riding the Rails (1938) y Superman (1941) – en una época en la que sólo los trabajos de la Disney recibía nominaciones. Pero más allá de las nominaciones y de los premios, el trabajo de Max Fleischer se encuentra entre los más revolucionarios y creativos de la historia del cine de animación.
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